¿Qué hay detrás de una de las figuras más importantes del arte moderno?
Los enormes cuadros inundados de color de Mark Rothko son hoy en día amados por muchos y cuestionados por otros tantos, ¿Qué es lo que hace su obra valiosa? ¿Qué ideas hay detrás de su abstracción casi absoluta?
Ochre and red on red, 1954
Mark Rothko es uno de los pintores más representativos del expresionismo abstracto, y un referente cuando pensamos en la consolidación de Nueva York como hub principal del arte.
Su obra se entiende mejor al conocer su vida y la manera en la que los hitos emocionales marcaron para siempre su psique.
Nació en la ahora Letonia, en 1903 y emigró junto con su familia a Portland, Oregon en 1913. Su padre falleció siete meses después de que la familia llegara a territorio estadounidense y su madre tomó una posición poderosa pero más distante en la familia.
Aprendió inglés y tuvo excelentes resultados en educación básica y superior, ganándose una beca para estudiar en Yale, universidad que dejó tras dos años de ingreso, para adoptar una vida bohemia.
En 1925 inició su carrera artística de manera autodidacta y empezó a experimentar en su técnica, primero con influencias del realismo y pintando composiciones como Street Scene, 1936.
Street Scene, 1936.
Se casó en 1932 en medio de la Gran Depresión, con Edith Sachar, de quien se divorció apenas dos años después, cayendo en una depresión profunda. En 1938 obtuvo la ciudadanía estadounidense y empezó a usar el nombre “Mark Rothko” en 1940. Se casó de nuevo en 1945 con Mell Beistle, con quien tendría dos hijos.
Es en esta época aproximadamente cuando Rothko cambiaría su estilo pictórico y empezaría a producir sus característicos grandes cuadros geométricos en donde renuncia al reconocimiento de la forma. De los primeros en está técnica está Slow Swirl at the Edge of the Sea, 1944.
En 1948 su madre falleció, acontecimiento que le detona una depresión profunda nuevamente.
Slow Swirl at the Edge of the Sea, 1944
Sus obras se componen de cuadrados o rectángulos con orillas desdibujadas por las veladuras que simulan flotar contra un fondo contrastante. Usualmente no tienen título, dándole la oportunidad al espectador de envolverse a sí mismo en la pintura sin ninguna preconcepción.
Al desarrollar este estilo, Rothko encontró la forma de mezclar la pintura con otras sustancias como clara de huevo o pegamento, para darle una especial luminosidad y elementos translúcidos a las capas de su obra. Esta técnica ayuda a crear el efecto de que cada capa de pintura (veladura) flota sobre la otra, dándole al cuadro un sentido de profundidad mayor
Sus obras insignia son conocidas por los profundos sentimientos que evocan y su habilidad por articular un lenguaje sublime, son la expresión pintada de lo que es estar vivo. Así, Rothko encontró el lenguaje universal que había estado buscando: el color. que en conjunto con la forma tiene un control sobre la experiencia del espectador. Si bien sus límites son difusos, cuentan con fronteras, creando mundos únicos y cohesionados en cada cuadro.
Su obra tiene una carga espiritual muy fuerte y los enormes formatos de sus cuadros tienen la intención de envolver al espectador y hacerlo parte de una experiencia sensorial mística.
Más que un cuadrado naranja, un espacio infinito de dolor.
Sabemos que la creación artística posee intrínsecamente una fuerte carga psicológica por parte del artista, el Departamento de Psiquiatría y Neurociencia del Comportamiento de la Universidad del Sur de Florida, analizó la obra de Rothko bajo una óptica particular que hace una conexión importante para dar una explicación y cohesionar su corpus artístico.
La primera crisis suicida que tuvo Mark inició con el diagnóstico de un aneurisma aórtico en 1968, estuvo hospitalizado y lejos de su pintura por varias semanas. Le diagnosticaron depresión clínicamente, se hizo impotente sexual y empezó a despertar un gran enojo contra su esposa, la pintura y el mundo que le rodeaba. Se separó de Mell en 1969 y se mudó a su estudio, en el que permanecería hasta su muerte.
Compartió sus sentimientos de desolación con su amigo psiquiatra Bruce Ruddick, e incapaz de deshacerse de esa carga, el 25 de febrero de 1970 se suicidó cortándose las venas con una navaja.
Fue encontrado en ropa interior y calcetines flotando en un charco de sangre cuadrado de proporciones bastante grandes, acontecimiento que muchos críticos y agentes del mundo del arte nombrarían como la máxima expresión de su obra.
Su obra puede ser analizada bajo el mismo esquema de las manchas de tinta Rorschach. se desarrolló un método que tiene validez predictiva en pacientes que podrían tener intentos de suicidio letal.
Cómo se percibe el color está directamente asociado con cómo se procesan las emociones. En el caso de Rothko, sus cuadros color field tienen el propósito de comunicar las emociones humanas y sus degradados de color están asociados con intentos de suicidio.
El estudio de la Universidad del Sur de Florida concluyó que hay una conexión entre las representaciones del espacio con límites más difusos o débiles y una desorganización mayor del sentido del ser. Las transparencias en este caso, se correlacionan con una fragmentación de la psique y una incapacidad para procesar emociones.
Resulta muy enriquecedor apreciar la obra de Rothko a través del cristal psiquiátrico y abona en el valor que tienen sus inmersos cuadros de colores. Al vernos inmersos en ellos, no sólo entramos en un mundo infinito sino en el dolor y desolación de Mark.
Black on dark sienna on purple, 1960
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